Авто картина или автопортрет у художника

Знаменитый художник и основоположник дизайна Анри Тулуз-Лотрек не раз использовал изображения автомобиля в своих ярких плакатах.

Анри Тулуз-Лотрек «Автомобилист». 1898 г.

Франсис Пикабиа. «Дитя-карбюратор». 1918 г.

Конечно же, не обошлось и без самого яркого представителя сюрреализма Сальвадора Дали. Хотя эпатажник, бунтарь и великий выдумщик Дали отнюдь не являлся ярым поклонником автомобилей, он был сильно вдохновлен его формами, скоростью и мощью. Во многих работах художника главным действующим лицом является именно автомобиль. Интересно, что сам Сальвадор Дали родился в 1904 году, в то время когда был выпущен первый легковой автомобиль. Дали был обладателем авто марки Кадиллак, который входил в пятерку специальных «Кэдди». Все эти автомобили принадлежали самым известным и примечательным лицам того времени, например, президенту США Рузвельту и гангстеру Аль Капоне.

Сальвадор Дали. «Одетый автомобиль».

Сальвадор Дали. «Автомобиль у пещеры».

Одной из первых, кто изобразил женщину за рулем автомобиля стала художница с отменным вкусов и тонкими манерами Тамара Лемпицка. Она написала свой автопортрет «Девушка в зеленом Бугатти». Позже этот образ разойдется в кинематографии и будет повторяться в клипах известных исполнителей.

Работы художницы были воплощением прохладного и чувственного ар-деко. Она даже критиковала многих импрессионистов за то, что те использовали «грязные цвета». Её же техника была четкой, точной и элегантной, как дорогой автомобиль.

Тамара де Лемпицка. «Девушка в зеленом «Бугатти». 1925 г.

Уже в конце 30-тых многие русские художники начинают изображать девушек за рулем. Как правила это рабочие сюжеты, сюжеты нового и светлого будущего. В эти годы можно увидеть на полотнах женщин-водителей тяжелых многотонных грузовиков.

В. И. Поляков. «Женщина за рулем».

Анатолий Яр-Кравченко. «Мотоциклетный пробег жен инженеров». 1937г.

Плавно уходя от рабоче-бытовых сюжетов художник Ю. И. Пименов уже изобразил женщину за рулём кабриолета на фоне площади Свердлова (сейчас Театральная), расположенной в центре Москвы.

Ю. Пименов. «Новая Москва». 1937г.

Сарра Шор. «Мы учимся управлять автомобилем», 1937г.

Яркими представителями автомобильной живописи являются и знаменитые британские художники. Например, иллюстратор Майкл Тернер (1934), который в 1947 впервые посетил автогонки и полностью погрузился в автоспорт, не пропуская ни одного соревнования, заболел гоночными сюжетами и стал специализироваться на автомобильных картинах. Майкл Тернер признан одним из лучших мировых художников.

Макл Тернер «Караччиола – Чемпион Европы» 1935г.

Майкл Тернер «Новая 3-литровая Формула» 1938г.

Еще одним британским мастером “автомобильной” живописи является Алан Фернли (1942), родившийся в Йоркшире. Автоспорт для него стал излюбленной темой. Алан и по сей день считается ведущим транспортным художником Великобритании: его работами украшены государственные, корпоративные и частные коллекции по всему миру. В своих работах автору прекрасно удавалось передать волнительную атмосферу гонок. Примечательно, что в сюжетах его картин присутствуют легендарные марки автомобилей и известные трассы.

Безусловно и художники поп-арта видели в автомобиле воплощение прогресса. Но одновременно с прогрессом они обнаружили и опасность этого средства передвижения для цивилизации.

«Mercedes-Benz W 196 R Grand Prix Car» 1954г.

Картина Энди Уорхола «Авария серебряной машины» ушла с молотка за 105 млн. долларов на аукционе Sotheby’s 11 ноября 2013 года. Полотно размером 2,4х4 метра состоит из двух частей. Правая половина произведения изображает врезавшееся в дерево авто и представляет собой серию фотографий, перенесенных на холст методом шелкографии. Левая половина оставлена пустой. Удивительно, что картина обошлась гораздо дороже самого коллекционного автомобиля. «Авария серебряной машины (Двойная катастрофа)» стала самой дорогой из когда-либо проданных картин знаменитого художника.

И в заключение хочется представить очень позитивные, сказочные, завораживающие работы нашего современника, польского художника Яцека Йерки, который в 1995 году получил престижную «Всемирную премию фэнтези». Работы автора выставлялись по всему миру и получили всеобщее признание.

Источник

19 автопортретов великих художников

Автопортрет — это жанр всех видов изобразительного искусства, взгляд со стороны на собственное «я». В этой публикации я предлагаю вам ознакомиться с автопортретами известных художников разных веков. Художники создавали автопортреты еще во времена древнего Египта, используя в работе зеркало. Почти все великие мастера рисовали самих себя, а некоторые даже специализировались в этом жанре.

Портрет мужчины в красном тюрбане, Ян ван Эйк / Jan Van Eyck, 1433.

Это спорная картина фламандского живописца эпохи раннего Возрождения Яна ван Эйка. Большинство искусствоведов склоняется к тому, что это автопортрет. Люди на портретах того времени обычно смотрели в сторону, а изображенный мужчина сидит так, словно разглядывает самого себя в стоящем перед ним зеркале. Другой аргумент в пользу этого — слова, написанные псевдо греческими буквами на верхней части подлинной рамы картины. Эта надпись («Als Ich Can»), в переводе с фламандского, означает: «Как умею».

Диего Веласкес (Diego Rodríguez Velázquez) «Менины»

Диего Веласкес — испанский художник, крупнейший представитель мадридской школы времён золотого века испанской живописи, придворный живописец короля Филиппа IV
Художник изобразил себя в процессе создания живописного полотна. Эта картина уникальна тем, что в ней соединены жанровая сцена, групповой портрет, автопортрет.

Автопортрет с женой Саскией, Рембрандт ван Рейн / Rembrandt van Rijn, 1635

Рембрандт — крупнейший представитель золотого века голландской живописи. На картине «Автопортрет с женой Саскией» Рембрандт изобразил себя женихом, одетым в нарядный костюм, он держит на коленях свою жену-Саскию, также облаченную в старинное платье, купленное художником у антиквара. Полотно наполнено светом и радостью, весельем, нежностью и любовью.

Автопортрет с приветствием, Эдгар Дега / Edgar Degas, 1855–1856

Эдгара Дега — французский живописец, один из представителей импрессионистского движения, часто его называют «живописцем танцовщиц».

Дега изобразил себя весьма важной персоной: поза, взгляд успешного человека, парадный костюм и цилиндр в руках.

Автопортрет с перевязанным ухом
Автор: Винсент Ван Гог.
Год создания: 1889.

Винсент Ван Гог в течение своей жизни написал более 30 автопортретов, «Автопортрет с перевязанным ухом» один из самых узнаваемых.Версий написания этой картины много. Самая распространенная такая: Ван Гог поссорился со своим другом художником Полем Гогеном и в приступе душевного расстройства отрезал себе часть уха.

Автопортрет «Отверженные», 1888 г., Поль Гоген

Поль Гоген — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. Жизнь Гогена легла в основу романа Сомерсета Моэма «Луна и грош».

Среди автопортретов Поля Гогена картина «Отверженные» занимает особое место. Этот автопортрет художник создает в подарок Винсенту ван Гогу. Полотно создано в тяжелое для художника время, он действительно чувствовал себя «отверженным»: отверженным обществом, покинутым женой, утратившим возможность общаться с детьми, которых он очень любит.

Автопортрет с палитрой, Пабло Пикассо / Pablo Picasso, 1906

Полное имя — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо — испанский и французский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер.

«Автопортрет с палитрой» первый значительный автопортрет Пикассо с 1901 года. К этому времени Пикассо занимает весомое место в среде художественного авангарда Парижа. По мнению искусствоведов, автопортрет говорит об уверенности в собственных силах — сбитая массивная фигура, правая рука сжата в кулак. Невозмутимое лицо выписано в суровой примитивистской стилистике.

Картина находится в Художественном музее Филадельфии.

Мягкий автопортрет с жареным беконом, Сальвадор Дали / Salvador Dali, 1941

Автопортрет с китайскими фонариками, Эгон Шиле / Egon Schiele, 1912

Эгон Шиле, «Автопортрет в обнаженном виде, гримаса», 1910

Эгон Шиле — австрийский живописец, представитель экспрессионизма, один из основоположников жанра обнаженного автопортрета, он написал их более сотни. Художник создает разные образы самого себя, примеряет «маски», разыгрывает роли, гримасничает; в некоторых автопортретах он изображает себя обнаженным. Шиле придавал большое значение экспрессивным жестам, позам и мимике.

Марк Шагал «Прогулка». 1917-1918

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. «Прогулка» — это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках, и журавль в небе.

Микеланджело. Фрагмент фрески «Страшный суд»,1537-1541

Красный автопортрет, Уорхол,1986.

Энди Уорхол считается величайшим художником движения поп-арт. Эта известная работа относится к серии автопортретов, которые он писал в последние годы. Имеется пять цветовых вариантов портрета: зеленый, синий, фиолетовый, желтый и красный.

Туринский автопортрет, Леонардо да Винчи / Leonardo da Vinci, 1512

Туринский автопортрет является единственным портретом Леонардо да Винчи, сохранившимся до наших дней. На картине изображен старый человек с длинными волосами и бородой, который смотрит на зрителя. Стоит отметить, что существует несколько ученых и историков, которые не считают картину автопортретом. В основном это связанно с тем, что фигура выглядит немного старше, чем Леонардо, которому в то время было 60 лет. Однако, широко распространено мнение о том, что да Винчи специально старил себя.

Автопортрет с подсолнечником, Антонис ван Дейк. 1641.

Антонис ван Дейк мастер портретной живописи. Данная работа является предметом многочисленных исследований и дискуссий. Особенно яро спорят о значении золотой цепи, которая, вероятно, досталась художнику при посвящении в рыцари. Помимо этого, загадкой остается скрытый символизм подсолнечника.

Фрида Кало «Две Фриды»,1939 г

История жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией до испанского периода.

Автопортрет с ожерельем из шипов, Фрида Кало / Frida Kahlo, 1940

За свою жизнь Фрида написала 55 автопортретов, среди которых наиболее известен — «Автопортрет с ожерельем из шипов и колибри». Этот портрет Фрида завершила в 1940 году ровно через год после болезненного разрыва отношений с возлюбленным — мексиканским художником Диего Риверой. На картине художница запечатлела себя с пантерой и обезьяной. Выбор этих животных обусловлен, в том числе и тем, что во время семейной жизни Фрида и Диего держали в доме обезьянок в качестве домашних животных. Злые языки говорили, что так они компенсируют отсутствие детей. В центре внимания — украшение из безжизненного терновника. Увядшие ветви оплетают шею Фриды, причиняя ей страдания, впиваясь в кожу шипами. В реальности Фрида стойко переносила бракоразводный процесс, поэтому выбрала такой символ для передачи внутренних эмоций и переживаний.

Караваджо. Давид с головой Голиафа.1610 год.

В лице поверженного Голиафа, весьма узнаваем сам Караваджо, в нормальном виде, предстающий нам с других автопортретов. Здесь же, художник обезображивает свои собственные черты, искажая свое лицо в гримасе ненависти и страдания, увековеченной смертью.

Сын человеческий, Альбрехт Дюрер / Albrecht Durer, 1500

Автопортрет художник создал в 1500 году, изобразив себя в анфас,что в то время было допустимо только в изображениях Иисуса Христа. На автопортрете есть надпись которая гласит «Я, Альбрехт Дюрер, нюрнбержец, написал себя так вечными красками в возрасте 28 лет». Некоторые эксперты и критики считают этот автопортрет символом самолюбия, художник сравнивает себя с богом.

Эта картина использовалась в фильме Френсиса Форда Копполы «Дракула», как портрет Дракулы.

Источник

Автопортреты известных художников, спрятанные ими в своих картинах

Максима времён Ренессанса «Каждый художник рисует сам себя», высказанная в XV веке, не потеряла актуальности и в наши дни. На протяжении веков помимо простых автопортретов живописцы оставляли секретные подписи на своих полотнах и вставляли в работы свои изображения — подчас очень неожиданным и изобретательным образом.

Это чувство собственного достоинства у художников возникло ещё в эпоху Возрождения с его гуманистическими ценностями, провозглашавшими значимость индивидуума и творчества. В этот период в Европе появились скрытые автопортреты двух типов. В Италии художники, как правило, размещали свои изображения на правой стороне картин или алтарей, а их взгляд был осознанно обращён на зрителя.

Картина «Поклонение волхвов» (1475) с изображенными на ней представителями клана Медичи. Крайним справа, как полагают, Сандро Боттичелли изобразил себя.

Художники Северного Ренессанса, в отличие от южных коллег, любили играть с трудной для понимания символикой и демонстрировать свои технические навыки. Автопортреты, которые они воспроизводили на своих картинах, обычно были искажёнными отражениями на поверхностях вроде металлической посуды или в зеркалах.

Традиции, корни которых уходят в золотой век живописи, перешли в эпоху модернизма и сохранились до наших дней. Здесь мы представим семь — лишь малую часть — автопортретов, которые художники спрятали в некоторых своих знаменитых работах.

Ян ван Эйк, «Портрет четы Арнольфини» (1434)

Одна из самых загадочных картин в истории западного искусства очень занимательна для любопытного зрителя. В роскошном двойном портрете Ян ван Эйк кропотливо изобразил отсылки на богатство своих героев и другие символические детали, большинство из которых кроется в маленьком круглом зеркале позади четы. Например, в нём отражаются ещё две фигуры, входящие в комнату.

Хозяин дома поднимает руку, возможно, в приветствии — и этот жест возвращает ему один из мужчин в зеркале (по другой версии Арнольфини произносит клятву при свидетелях). Непосредственно над зеркалом располагается надпись: «Ян ван Эйк был здесь». Подразумевает ли это, что фигуры в отражении — сам художник и его помощник, посетившие заказчиков? Это одна из величайших загадок истории искусства.

Рафаэль Санти, «Афинская школа» (1509 / 1511)

Знаменитая фреска Рафаэля, написанная на стене Апостольского дворца Ватикана, — это ода философии. Множество почитаемых древних мыслителей — от Пифагора до Птолемея — населяют сводчатый мраморный зал с колоннами и кессонными потолками.

Фреска — это настоящий справочник «Кто есть кто» в интеллектуальной элите Возрождения; Рафаэль связал свою эпоху с прославленным прошлым. Если верить Джорджо Вазари, в образах античных философов он изобразил своих современников. Донато Браманте, склонившийся над грифельной доской, — это Евклид или Архимед, Леонардо да Винчи, как считается, стал воплощением Платона, а Микеланджело может олицетворять Гераклита. Художник не удержался, чтобы не включить в это собрание и себя — любопытствующее лицо Рафаэля выглядывает из-за арки в правом углу фрески, рядом с Птолемеем и Зороастром.

Микеланджело, «Страшный суд» (1536 / 1541)

Общеизвестно, что Микеланджело испытывал отвращение к заказу по росписи потолка Сикстинской капеллы в Ватикане. В стихотворении к другу, написанном в 1509 году, темпераментный художник рассказывал о долгих часах, которые проводит лёжа на спине: «Моя кисть всё время надо мной, с неё капает краска, так что моё лицо превратилось в прекрасную поверхность для помёта!»

В конце концов, один из столпов Ренессанса смог остроумно выразить свое разочарование — и повеселиться за счёт Папы — когда писал фреску «Страшный суд» для алтарной стены часовни. В центре масштабной картины святой Варфоломей держит человеческую кожу (во время испытания веры с апостола содрали кожу, а затем обезглавили) с пустым и жутким лицом самого Микеланджело.

Караваджо, «Давид с головой Голиафа» (1609 / 1610)

До своей безвременной кончины в возрасте 38 лет Караваджо представлял себя во множестве обличий, чаще всего — в виде греческого бога вина Бахуса. В последний год своей жизни он решил включить автопортрет в изображение Давида, держащего отрубленную голову Голиафа, — одну из нескольких версий библейской истории, написанных за свою карьеру. На этом этапе художник внёс неожиданный, эмоциональный нюанс в обычно кровавую, мрачную притчу о могущественном против правого.

Давид с головой Голиафа. Микеланджело Меризи де Караваджо, 1610, фрагмент

Здесь Караваджо — не юный, симпатичный Давид, а побеждённый Голиаф, чей рот с отвисшей челюстью свидетельствует о его полном поражении. В свою очередь Давид, который смотрит на свой трофей, выглядит не обрадованным победой, а несколько задумчивым и печальным, возможно, даже сожалеющим. Ученые предположили, что для молодого героя позировал Чекко, подмастерье и предполагаемый любовник Караваджо. Если это так, то в картине появляется неожиданная психосексуальная подоплёка, которая усиливается мечом Давида, помещённым между его ног.

Клара Петерс, «Натюрморт с сырами, миндалем и кренделями» (ок. 1615)

Голландские натюрморты кажутся простыми, но часто подразумевают сложные размышления о жизни и смерти. И если техническая сложность жанра и его интеллектуальные особенности могли бы стать препятствием для художниц, в XVII веке в нём преуспевали именно женщины. Одной из самых талантливых мастериц натюрморта своего времени была Клара Петерс.

Автопортрет Клары Петерс в картине «Натюрморт с сырами, миндалем и кренделями» (ок. 1615)

Многие голландские художники эпохи рисовали роскошные композиции с устрицами, пирогами, заморскими фруктами и зёрнами перца на серебряных и золотых тарелках. Но Петерс предпочитала изображения скромных местных молочных продуктов, таких как сыр и масло, с крестьянским хлебом. Тем не менее, она не смогла удержаться о того, чтобы не продемонстрировать своё художественное мастерство в одном из натюрмортов с множеством сыров, миндалем и изящно скрученными кренделями. На оловянную крышку керамического сосуда Петерс аккуратно нанесла свой автопортрет, в точности повторяющий изгибы объекта. Вместо подписи художница «вырезала» своё имя на серебряном ноже для масла.

Жак-Луи Давид, «Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам» (1806 / 1807)

Французский художник-неоклассик Жак-Луи Давид — интересная фигура в истории революционной Франции. Несмотря на свою роль в свержении монархии, после войны он проницательно продемонстрировал преданность Наполеону, став королевским художником и главным пропагандистом императора.

Наполеон лично поручил Давиду запечатлеть его пышную коронацию 1804 года в монументальном историческом полотне, которое передает мощный политический сигнал власти. Сегодня это произведение искусства доминирует в Большом зале Лувра. Оно настолько массивно, что фигуры кажутся написанными в натуральную величину, и зрителю может показаться, будто он находится в празднично разодетой толпе, наблюдающей, как Наполеон коронует Жозефину.

Фрагмент картины «Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам» с автопортретом Жака-Луи Давида

Сам Давид сидит в возвышении в театральной ложе в центре композиции, делая наброски сцены среди разодетых в бархат, меха и атлас членов императорской семьи и других аристократов. Художник на самом деле присутствовал на церемонии коронации в Нотр-Дам. То, что он включил себя в финальную композицию, показывает его верность короне и намекает на неоспоримую мощь художественных достижений.

Поль Гоген, «Спящий малыш. Этюд» (1881)

Импрессионисты и художники эпохи модерна нередко включали себя в свои картины; они часто населяли собственные сцены в парижских кафе, барах и парках. Например, Анри де Тулуз-Лотрек изобразил себя на заднем плане картины «В Мулен-Руж» (1892 / 1895), в одном из своих любимых заведений.

Спящий малыш. Этюд Поль Гоген, 1881

Но в своём этюде «Спящий малыш» Поль Гоген использовал странный подход к автопортрету. У кровати спящего ребёнка стоит жуткая кукла шута, почти живая. Посмотрите внимательно на его лицо, и увидите, что этот паяц — сам Гоген. Возможно, художник показывает игрушку как фрагмент детских снов. Если это так, то они — больше кошмар, чем фантазия.

Источник