что посмотреть в пушкинском музее в москве
Пушкинский музей
Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина
Пушкинский музей – так коротко называют Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, расположившийся в самом центре столицы, на улице Волхонка. Его называют самым академичным музеем Москвы, ведь он располагает уникальной коллекцией скульптурных слепков, копий и подлинников, по которым можно изучать всю историю мировой культуры. Великолепно исполненные музейные экспонаты-копии, от портика Парфенона и статуи Венеры Милосской до портала готического собора и конных монументов, выполнены в натуральную величину, что дает возможность детально ознакомиться с шедевральными работами великих ваятелей.
Сэкономь на путешествии!
Видео: Пушкинский музей
Основные моменты
В Пушкинском музее разместилась одна из лучших в России коллекций зарубежной живописи. Наиболее ранние ее экспонаты представлены византийской мозаикой и иконами. Начальный этап развития западноевропейского изобразительного искусства отражен в работах итальянских примитивистов, а его расцвет демонстрируют полотна гениев эпох Возрождения и Просвещения. Музей знаменит и своей коллекцией работ импрессионистов и постимпрессионистов. Музейная коллекция включает в себя также египетские древности, памятники культуры Востока, графические картины западноевропейских и русских мастеров, предметы декоративно-прикладного искусства, нумизматики и археологические экспонаты. В Пушкинском музее периодически «гостят» уникальные экспонаты из собраний других музеев, в том числе всемирно известных.
Постоянно действующая экспозиция музея разместилась в нескольких зданиях, три из которых находятся на Волхонке: Главное здание, Галерея искусства стран Европы и Америки, Отдел личных коллекций. В структуру музейного комплекса входят Учебный художественный музей им. И. В. Цветаева на улице Чаянова, Центр эстетического воспитания, разместившийся в Колымажном переулке, мемориальная квартира Святослава Рихтера на Большой Бронной улице.
История Музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина
Свою историю Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина ведет с 17 (29) августа 1898 года, когда в Москве, неподалеку от храма Христа Спасителя, на Волхонке, был заложен Музей изящных искусств им. императора Александра III. Идея создания в Москве художественно-образовательного общественного музея витала в просвещенных аристократических кругах еще с середины XIX столетия. Но воплотить ее в жизнь удалось лишь в конце века, благодаря подвижничеству государственного деятеля, ученого-историка, искусствоведа, Ивана Владимировича Цветаева. Его дочь, поэтесса Марина Цветаева, в своих автобиографических эссе живо описала, какое значение имело создание музея в жизни всей семьи Цветаевых.
Возведение здания Музея изящных наук было поручено молодому московскому архитектору Роману Ивановичу Клейну, выигравшему конкурс, условия для которого разработал Цветаев. На период сооружения музейного здания при Московском университете был учрежден Комитет по его будущему обустройству. Председателем Комитета стал великий князь Сергей Александрович, стараниями которого на возведение музея из казны государства выделили 200 тысяч рублей. Заместителем председателя выбрали Юрия Степановича Нечаева-Мальцова, промышленника, миллионера и мецената, потратившего на строительные работы и создание музейных фондов около 2 млн рублей. Работу секретаря комитета и фактически организатора всех работ выполнял Иван Цветаев.
Коллекционный фонд будущего Пушкинского музея формировался на базе Кабинета изящных наук и древностей, находящегося в ведении Московского университета и располагавшего небольшим собранием гипсовых оттисков с античных скульптур. С 1889 года, когда Кабинет возглавил Цветаев, его фонды начали прирастать новыми поступлениями – копиями греческих, римских, египетских изваяний, которые создавались в крупнейших мастерских Европы по снятым с оригинальных творений слепкам. Для будущего музея искусные специалисты создавали копии и целых скульптурных композиций виртуозных творцов Средних веков, эпохи Ренессанса, отображавшие оригиналы в их истинном масштабе.
Собрание скульптур пополняли и подлинные шедевры, которые жертвовали царственные особы, аристократы, промышленники и представители интеллигенции. К своему открытию музей располагал коллекцией древнеегипетских памятников, работами итальянских живописцев XII-XIV веков, подлинными итальянскими скульптурами XVI-XVII веков.
В мае 1912 года, спустя 14 лет с момента закладки, состоялось церемониальное открытие Музея изящных искусств. Это событие сопровождало выступление оркестра, исполнившего помпезную кантату, написанную специально для этого действа. Должность директора музея занял Иван Цветаев. В 1923 году, после реорганизации музейной сети страны, музей приобрел статус Государственного. В его стенах разместилось собрание живописи западных мастеров, ранее принадлежавшее ликвидированному Румянцевскому музею. Вскоре оно пополнилось картинами из коллекций С. М. Третьякова, Г. А. Брокара, Д. И. Щукина, князей Юсуповых. Бесценные произведения живописи поступили из Государственного Эрмитажа.
В 1932 году Музей изящных искусств переименовали в Музей изобразительных искусств, а спустя пять лет ему присвоили имя А. С. Пушкина. Крупными поступлениями ознаменовался 1948 год: картинная галерея Пушкинского музея пополнилась почти тремя сотнями работ известнейших художников-импрессионистов.
В 1985 г. рядом с Главным музейным зданием в специально отреставрированном особняке открылся Музей частных коллекций. В 2005 году он был перенесен в близлежащее здание, а на его месте разместилась Галерея искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков.
Главное здание
Главное здание Пушкинского музея, напоминающее античный храм, украшает колоннада, являющаяся увеличенной копией ионического портика храма Эрехтейон, одного из главных святилищ Афин, расположенного на Акрополе. Фасад украшен белым морозоустойчивым мрамором, доставленным с Урала, а при оформлении парадного входа использовался редкий цветной мрамор.
Первый этаж
В залах нижнего этажа Главного здания демонстрируются коллекции произведений искусства Древнего Египта, античной эпохи, Средневековья и Ренессанса.
Более восьми сотен экспонатов, разместившихся в зале искусства Древнего Египта, оформленного в стилистике древнеегипетского храма, представляют все периоды истории развития этой цивилизации, начиная с IV тысячелетия до н. э. до IV столетия до н. э. Богатая экспозиция представлена каменными саркофагами, статуями, предметами быта и погребального культа египтян, мумиями людей и животных, папирусами, сосудами и украшениями, амулетами. Эта коллекция – одно из первых приобретений музея. Она была выкуплена в 1909 году у петербургского востоковеда В. С. Голенищева, располагавшего богатой коллекцией подлинников египетских древностей.
В зале, где демонстрируются образчики искусства Древнего Ближнего Востока, можно увидеть копии барельефов, украшавших дворцы ассирийских царей. По мотивам росписи царских чертогов оформлен и сам зал, при входе в который расположились гигантские изваяния крылатых быков и львов с человеческими головами. Скульптуры являются копиями, оригиналы находятся в Лувре и Британском музее. Предметом гордости коллекции этого зала являются клинописные таблички, на которых запечатлена трехтысячелетняя история Древней Месопотамии. Искусство Древней Парфии представлено ритуальными сосудами, выточенными из слоновьего бивня, искусство Ирана – рельефом с изображением головы персидского лучника и халцедоновыми печатками – великолепными образчиками глиптики (искусства резьбы на цветных и драгоценных камнях).
На первом этаже Главного здания Пушкинского музея расположен и зал, где демонстрируется знаменитая коллекция, которую часто называют «Золото Трои» либо «Сокровище Приама». Она включает 259 артефактов, найденных Генрихом Шлиманом во время раскопок Трои в конце XIX века. Среди экспонатов коллекции – золотые и серебряные сосуды, великолепные золотые диадемы, серьги, кольца, бусы, браслеты. Интерес представляют и ритуальные топоры-молоты, один из которых создан из лазурита, а три – из нефрита и жадеита.
В отдельном зале находится коллекция античных артефактов. Первый раздел посвящен искусству древнего Кипра, второй – Древней Греции, третий – Древней Италии, четвертый – Риму. Среди экспонатов – образцы декоративно-прикладного искусства: сосуды из стекла и керамики, мозаики и фрагменты фресковых росписей, предметы быта, выполненные из бронзы.
В зале, где представлено искусство Северного Причерноморья, можно увидеть экспонаты, найденные при раскопках Пантикапея, столицы Киммерийского Боспора. Среди артефактов, датируемых VI-V веками до н. э., – аттические сосуды, шкатулки для хранения драгоценностей, уникальная пантикапейская ванна, декорированная фризами из пальметт, цветов лотоса. Здесь же вырезан сюжетный фриз, изображающий состязание на колесницах. Из находок, датируемых IV веком, интерес представляют чаши, покрытые черным лаком, канфар с великолепным орнаментом, оригинальные светильники. Украшением экспозиции является беломраморное изваяние головы женского божества и статуя правителя античного города Георгиппия – Неокла.
В отдельном зале, также расположенном на первом этаже Пушкинского музея, собраны экспонаты, относящиеся к Греко-римскому периоду истории Египта (IV в. до н. э. – IV в. н. э.). Здесь вы увидите расписанные гипсовые погребальные маски, точность и реалистичность исполнения которых сравнимы с классическим древнеримским скульптурным портретом, и так называемые фаюмские портреты, искусно выписанные на тончайших пластинах из кипарисовой коры темперой либо восковыми красками. В эллинистическом Египте они заменяли традиционные погребальные маски. Коптское искусство представлено эффектными ткаными изделиями – предметами одежды, светской и церковной, туниками, шалями, покрывалами, скатертями.
Один из наиболее красивых залов Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина – Греческий дворик. Здесь можно полюбоваться натуральной величины копиями статуй и рельефов Парфенона, портиками Эрехтейона и храма Гефеста в Афинах, искусно созданным макетом Акрополя.
Не менее эффектен Итальянский дворик. Оформление зала, где он расположен, повторяет стилистику внутреннего дворика роскошного флорентийского дворца Барджелло. Центральное место здесь занимают копии двух конных монументов, созданных величайшими мастерами Раннего Возрождения – Донателло и Вероккьо. В копии представлен шедевр эпохи Ренессанса – статуя Давида работы Микеланджело.
Далее на первом этаже осмотрите коллекцию живописи, включающую в себя подлинные византийские иконы и работы итальянских мастеров XIII-XVI веков. Наиболее известные из представленных здесь византийских икон – «Двенадцать апостолов» и «Христос Пантократор». Среди шедевров итальянских мастеров – «Благовещение» Боттичелли, «Оплакивание Христа с монахом-кармелитом» Джованни Батиста Чима да Конельяно, «Пейзаж со сценами из жизни святых» Доссо Досси, «Дама за туалетом» Джулио Пиппи.
В соседнем зале демонстрируются оригинальные полотна немецких и нидерландских живописцев XV-XVI столетий. Гордость коллекции – картины «Бичевание Христа» немецкого художника Иоганна Кербеке, «Мадонна с младенцем» Лукаса Кранаха Старшего, также являющегося представителем немецкой школы. Полюбуйтесь работами голландских художников: «Мужской портрет» Яна Госсарта, «Несение креста» Михеля Зиттов, «На рынке» Иоахима Бекелара, «Христос и самарянка» Питера Артсена.
Эпоха барокко и рококо представлена творениями итальянских живописцев XVII-XVIII веков. Эта тематическая композиция включает в себя полотна Пьетро да Кортона, Луки Джордано, Бернардо Каваллино, Панини, Каналетто, Франческо Гварди.
Отдельные залы посвящены работам живописцев Испании и Франции, выполненным в XVII столетии. Полотна французских художников XVIII – начала XIX веков помещены в собственную экспозицию.
Второй этаж
На втором этаже Пушкинского музея расположился зал, получивший название Олимпийского. Здесь демонстрируются гипсовые слепки с наиболее известных скульптур эпохи греческой классики. Среди этих выразительных экспонатов – фронтоны храма Афины Афайи, скульптурная группа, изображающая реальных героев Гармодия и Аристогитона, рельефы алтаря, известного как «трон Людовизи», в центре которого изображено сакральное рождение Афродиты из пены морской. Украшением зала являются гипсовые копии произведений великого греческого скульптора Мирона – «Дискобол» и скульптурная группа «Афина и Марсий».
В отдельном зале можно познакомиться с культурой Эгейского мира. Здесь представлены копии предметов, датируемых периодом с III тысячелетия до н. э. до VI века н. э. Тут экспонируются сосуды, найденные при раскопках древней Трои, ритуальные статуэтки жриц с острова Крит, погребальные маски из царских гробниц Микен, скульптуры Артемиды Делосской, Аполлона с острова Мелос, статуя Геры.
Отдельная экспозиция посвящена искусству греческой поздней классики и эллинизма. Тут вы увидите слепки с оригиналов работ величайших скульпторов IV-II веков до н. э. – Скопаса, Праксителя, Лиссипа, Леохара. Среди них – «Неистовая менада», «Отдыхающий сатир», «Аполлон Саврактон», статуи Афродиты Книдской, Аполлона Бельведерского.
В разделе, посвященном искусству Древней Италии и Древнего Рима, демонстрируются слепки, бронзовые отливки со скульптур, созданных в эпоху существования Римской империи. Среди экспонатов, также представленных в этом зале, – воспроизведенные в гальванопластике предметы быта римлян, а также элементы амуниции гладиаторов. Оформление самого зала создает представление о характерных для римского зодчества традициях. В интерьере сочетаются мотивы декора «Золотого дома» Нерона (I в. до н. э.) и терм Диоклетиана (рубеж III-IV веков н. э.): арки, колонны, украшенные роскошными коринфскими капителями, богато расписанный потолок.
Отдельный зал посвящен истории итальянской скульптуры XV века. Его своды украшают эффектные панно с панорамами Флоренции, Венеции, Сиены. Среди наиболее выразительных работ – копия фрагмента флорентийского Баптистерия «Райские врата», слепки с рельефов портала церкви Сан-Петронио в Болонье, копия статуи Донателло «Святой Георгий».
В особом зале, разместившемся на втором этаже Пушкинского музея, можно увидеть гипсовые копии работ величайшего мастера эпохи Возрождения – Микеланджело Буонарроти. Среди них – «Вакх», «Пьета», «Моисей», «Умирающий раб».
Зал, где представлено искусство Фландрии XVII века, – один из наиболее посещаемых в Пушкинском музее. Здесь можно полюбоваться работами Рубенса, ван Дейка, Брейгеля, Снейдерса – ярчайших представителей фламандской школы живописи.
В зале, посвященном гениальному нидерландскому художнику Рембрандту, представлены рисунки, офорты и шесть полотен мастера. Произведениям других голландских живописцев XVII века посвящена отдельная экспозиция.
Галерея искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков
Галерея, расположившаяся по соседству с Главным зданием Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, занимает левый флигель усадьбы, с XVII по XIX века принадлежавшей князьям Голицыным. Еще в 60-е годы позапрошлого столетия во флигеле располагалась доступная для граждан картинная галерея, здесь же демонстрировались артефакты античной эпохи из личной коллекции хозяев. Можно сказать, что разместившаяся здесь Галерея приняла эстафету традиций московских аристократов собирать лучшие произведения мирового искусства.
В 26 залах Галереи представлены произведения мастеров европейской живописи и скульптуры XIX-XX веков. Экспозиция этой части Пушкинского музея представляет различные течения в искусстве того периода.
В одном из залов демонстрируются полотна немецких мастеров начала позапрошлого столетия: Каспара Давида Фридриха и художников-«назарейцев», возрождавших в своем творчестве манеру живописи времен Средневековья и Раннего Ренессанса.
Испанская школа живописи представлена работами Франсиско Гойи. В отдельном зале можно увидеть произведения французских художников – участников парижского Салона: Жана Жерома, Поля Делароша, Эжена Луи Изабе. Особая экспозиция посвящена французским мастерам реалистического направления в живописи.
Гордостью Пушкинского музея является коллекция работ французских художников, творивших в стиле импрессионизма и постимпрессионизма. Среди авторов полотен – Моне, Ренуар, Дега, Камиль, Писсарро, Сезанн, ван Гог, Гоген, Матисс, Пикассо.
Недавно в музее открылась новая экспозиция, где демонстрируются работы представителей других европейских школ, а также произведения американских мастеров. Здесь представлены картины Василия Кандинского, Марка Шагала, Акилле Фуни, Фолькера Берингера, Рокуэлла Кента.
В специальном зале можно полюбоваться скульптурами крупнейших европейских ваятелей – Огюста Родена, Антуана Бари, Аристида Майоля, Эмиля Бурделя.
Отдел личных коллекций
В экспозиции этого подразделения Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина представлено около тридцати коллекций произведений искусства, подаренных музею частными лицами. В фондах отдела находится более 7000 работ русских и западноевропейских мастеров XV-XX веков, чье творчество представлено в графике, живописи, скульптуре, прикладном искусстве, фотографии.
На сегодняшний день основная экспозиция Отдела личных коллекций недоступна для осмотра. Возобновить работу Отдел планирует в 2019 году.
Учебный художественный музей им. И. В. Цветаева
В семи залах этого отдела Пушкинского музея находится экспозиция, знакомящая посетителей с основными этапами развития мирового искусства, начиная с древнейших времен до XVI века.
Здесь демонстрируются 750 слепков и копий с наиболее значимых объектов, представляющих искусство Древнего Египта, Передней Азии, Древней Греции, Рима, отображены также период Средневековья и эпоха Ренессанса.
Мемориальная квартира Святослава Рихтера
В квартире, расположенной на 16 этаже дома на Большой Бронной, которую великий пианист, проживавший здесь с супругой Ниной Дорлиак, завещал Пушкинскому музею, царит особая атмосфера, хранящая музыкальные и семейные традиции ее хозяев.
В зальной гостиной, где репетировал Рихтер, можно увидеть два раритетных рояля фирмы «Steinway & Sons», антикварные торшеры (их подарил пианисту мэр Флоренции), несколько картин. В кабинете находится библиотека и хранятся пластинки, кассеты с записями концертов музыканта, а также ноты с его пометками. В небольшой комнате выставлены пастели, принадлежащие кисти Рихтера, имевшего также художественный талант.
Практическая информация
Главное здание Пушкинского музея и Галерея искусства стран Европы и Америки, расположенные на Волхонке, соответственно в домах № 12 и 14, открыты для посетителей во все дни недели, кроме понедельника. По вторникам, средам, и в выходные они работают с 11:00 до 20:00, по четвергам и пятницам – с 11:00 до 21:00.
Добираться сюда удобно на метро, доехав до одной из трех станций: «Кропоткинской», «Боровицкой» или «Библиотеки им. Ленина».
Комплексная стоимость посещения Главного здания и Галереи – 550 рублей. Для детей до 16 лет вход бесплатный. Посещение одного из двух подразделений Пушкинского музея по отдельности обойдется в 300 рублей. Экскурсии оплачиваются отдельно, их стоимость – от 400 рублей с персоны.
У Главного здания Пушкинского музея и Галереи часто выстраиваются очереди, особенно в дни работы передвижных выставок, поэтому многие предпочитают приобретать билеты онлайн на сайте музея. Оплаченный билет выдают в кассе, расположенной в Галерее. После этого через вход № 5 можно войти в Главное здание. Вы окажетесь на цокольном этаже, где находятся гардероб, уборные, кафе, в котором можно вкусно, сытно и недорого поесть. Рядом со входом в кафе располагается стойка, где вы можете взять аудиогид. Его стоимость – 350 рублей + залог (2000 рублей или паспорт). Бесплатно можно воспользоваться аудиогидом, установив приложение izi.TRAVEL на мобильный телефон.
На цокольном этаже также продается сувенирная продукция, иллюстрированные издания, представляющие все коллекции Пушкинского музея.
Входной билет в Учебный художественный музей им. И. В. Цветаева стоит 100 рублей.
Посетить Мемориальную квартиру С. Рихтера можно по предварительной записи. Стоимость – 200 рублей. Экскурсия с гидом (350 рублей) включает просмотр фильма в сопровождении музыки. Здесь нередко проводятся камерные концерты, цена билетов на них оговаривается отдельно.
30 знаменитых картин ГМИИ им. Пушкина: шедевры, которые стоит увидеть
Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина – настоящая сокровищница, хранящая множество ценностей. Галерея искусства стран Европы и Америки XIX–XX вв. – один из его корпусов. С 2006 года в ее стенах демонстрируются шедевры авангардных течений, романтизма, постимпрессионизма, романтизма, импрессионизма и других направлений.
В залах представлены произведения из собраний знаменитых столичных коллекционеров и ценителей живописи И. Морозова, И. Остроухова, С. Щукина, П. Харитоненко, С. Третьякова и других. Гордость галереи – полотна Э. Дега, К. Моне, П. Пикассо, П. Сезанна, А. Матисса, В. Ван Гога, П.О. Ренуара и других. В нашей подборке – 30 бессмертных творений мастеров.
1. «Голубые танцовщицы»
Автор: Эдгар Дега.
Год создания: 1898.
Э. Дега показывал в своем творчестве сюжеты из рядовой жизни. Одной из его любимых тем стал балет. «Голубые танцовщицы» – самая известная картина художника, рассказывающая об этом виде искусства. Она выполнена пастелью, что позволило добиться единства цвета и линий.
На первый взгляд, полотно демонстрирует зрителю один из моментов репетиции. При детальном рассмотрении появляется ощущение движения и танца. Существует мнение, что художник изобразил одну балерину, которая кружится в зале, и мастер запечатлел ее под разным углом, применив приемы кадрирования.
2. «Девочка на шаре»
Автор: Пабло Пикассо.
Год создания: 1905.
Знаменитая «Девочка на шаре» была написана на стыке «розового» и «голубого» творческих периодов Пикассо. В это время художник увлекся цирковой тематикой, поэтому представленный образ не уникален. Пабло никогда не показывал артистов на рабочем месте. На его полотнах они оказывались в пространстве, напоминающем пустыню.
Картину от других подобных отличают яркие противопоставления, противоречия и контрасты. Взор зрителя падает одновременно на гибкий стан стоящей на шаре девочки и мускулистую фигуру атлета, который сидит на кубе, веселых персонажей и унылую панораму барханов. Внимания заслуживает композиционное решение: удерживая равновесие, эквилибристка протягивает руки вверх, ее фигура связывается с небосклоном. Этому также способствует цветовая гамма: трико героини почти совпадает по тону с оттенком неба.
3. «Белые кувшинки»
Автор: Клод Моне.
Год создания: 1899.
Около своего дома в Живерни Моне обустроил пруды, а над ними установил мостики. Живописный вид, увлечение японским искусством и культурой вдохновили его на создание серии работ с мотивом кувшинок. В произведении также прослеживается тенденция превращения выполненной на мольберте картины в панно, что стало закономерностью для поздних работ мастера.
Полотно открывает перед нами вид на японский мостик и пруд, усыпанный цветами. Сад утопает в густой зелени, за которой угадывается голубое небо. Ветви плакучих ив отгораживают этот райский уголок от мира, делают его уютным, тихим, волшебным. В данном произведении, как и во многих других, написанных на рубеже веков, на первый план выходит декоративность.
4. «Мадонна перед чашей с причастием»
Автор: Жан Огюст Доминик Энгр.
Год создания: 1841.
Энгр – один из самых ярких последователей классицизма в живописи, поклонник итальянского Ренессанса. Данную картину он написал по заказу Александра II. В ней прослеживается желание художника сохранить традиции эпохи Возрождения и его любовь к творчеству Рафаэля.
Главная героиня, Мадонна, расположена в центре и изображена ярко за счет свечения и струящихся линий, которые создают ощущение объема. С обеих сторон от нее – второстепенные персонажи. Они затемнены, их контуры нечеткие. Само полотно геометричное и симметричное. Примечательно, что произведение не соответствует своему названию: чаши с причастием на картине нет.
5. Портрет актрисы Жанны Самари
Автор: Пьер-Огюст Ренуар.
Год создания: 1877.
О. Ренуара часто называют «живописцем счастья». Такое состояние радости, душевной ясности и спокойствия художник считал естественным и стремился им поделиться во всех работах. Жанна Самари была одной из любимых моделей мастера. Он 4 раза писал портрет актрисы, но хранящийся в ГМИИ эксперты признали лучшим.
Картина чем-то походит на фотографию. Возникает ощущение, что на ней зафиксирован миг встречи живописца и девушки. У Жанны сияют глаза, на лице видна сдержанная улыбка. Используемые нежные тона и розовый фон подчеркивают молодость, женственность и обаяние актрисы. У полотна есть особенность: если на зеленое платье Самари посмотреть под определенным углом, то оно станет синим.
6. «Жена короля»
Автор: Поль Гоген.
Год создания: 1896.
«Жена короля» является одним из лучших произведений П. Гогена, написанных во времена так называемого «таитянского периода» в творчестве. Художник жил на острове, изображал местных женщин, благоухающую природу. Сюжеты он дополнял религиозными, мифологическими образами.
В центре данной картины – могучая туземка. Она лежит на траве около моря, а вокруг бушует зелень, разбросаны экзотические фрукты. Неподалеку пробегает зверь, беседуют старики, собирает плоды женщина. Полотно напоминает «Олимпию» Мане, но кажется более первобытным и диким из-за изобилия красок.
7. «Бульвар Капуцинок в Париже»
Автор: Клод Моне.
Год создания: 1873.
«Бульвар Капуцинок в Париже» – одно из самых знаменитых произведений Моне, которое считается шедевром импрессионизма. Примечательно, что современники не оценили полотно, называли «размазанным», «незавершенным» и всячески насмехались над художником, увлекшимся новым течением в живописи.
Картина демонстрирует вид на бульвар с балкона одного из домов. Автор не стремится показать архитектурный облик улицы, он раскрывает ее панораму в целом. Люди, деревья, экипажи, здания – все смешалось в этом уголке французской столицы. Здесь самое главное – свет, который меняет цвета, форму предметов, создает ощущение весны, свежего воздуха.
8. «Красные виноградники в Арле»
Автор: Винсент Ван Гог.
Год создания: 1888.
Долгое время считалось, что «Красные виноградники в Арле» – это единственное произведение Ван Гога, проданное при его жизни. Впоследствии стало известно, что художнику удалось реализовать несколько работ. Также существуют данные о том, что запечатленный на картине яркий куст живописец увидел по время прогулки в компании П. Гогена.
Особенности стиля автора узнаются сразу. Солнце изображено не так, как у других импрессионистов. Оно выглядит как диск, его лучи концентрические. Линия горизонта высокая, что характерно для позднего Ван Гога.
9. «Пьеро и Арлекин»
Автор: Поль Сезанн.
Годы создания: 1888-1890.
«Пьеро и Арлекин» – одна из самых известных картин Сезанна. Она рассказывает об окончании масленичного карнавала и знакомит с комедийными персонажами. Почему художник выбрал нехарактерную для себя тему – загадка. Зато его новаторская трактовка этого сюжета оказала существенное влияние на последователей-живописцев.
В центре композиции – два героя с противоположными темпераментами и образами. Пьеро – мечтательный, бледный, хрупкий, меланхоличный. Арлекин – зажигательный, динамичный, с дьявольским блеском в глазах. Работа представляет собой размышление Сезанна о судьбе артистов, их умении менять маски, играть разные роли на сцене и в жизни.
10. «Сирень на солнце»
Автор: Клод Моне.
Годы создания: 1872-1873.
В начале 1870-х годов К. Моне увлекся пленэрной живописью. В этот же период совместно с К. Писсарро он посетил Лондон, где открыл для себя новые способы передачи на полотнах солнечного освещения, контраста тени и света. В результате появилась «Сирень на солнце», ставшая творческой импровизацией и при этом самим воплощением импрессионизма.
Художник не использует серые мрачные цвета, а само изображение лишено точных деталей. Складывается ощущение, что мы видим произведение сквозь какую-то пелену. Но при этом картина утопает в лучах солнца, от нее исходит тепло. Именно свет объединяет все детали: розово-лиловую сирень, сочную зеленую листву и женщин, укрывшихся от жары.
11. «Просушка парусов»
Автор: Андре Дерен.
Год создания: 1905.
Картина создана А. Дереном в рамках сотрудничества с А. Матиссом. После парижского Осеннего салона 1905 года полотно признали прародителем течения «фовизм». В этот период художник был озабочен вопросом передачи цветов в условиях яркого солнца, так как оно уничтожало тень. В итоге мастер пришел к отрицанию теней и начал передавать их через отблески и контрастные пятна.
Этот прием виден в «Просушке парусов». В центре сюжета – стоящие у берега лодки. Очевидно, что действие разворачивается где-то на юге. Светотеневая моделировка отсутствует, пространство построено с помощью крупных мазков интенсивных цветов. Кое-где просматривается холст, но он выглядит как лучи солнца.
12. «Белая ночь» или «Девушки на мосту»
Автор: Эдвард Мунк.
Годы создания: 1902-1903.
Картина написана в период увлечения Э. Мунка стилем модерн. Произведение создавалось недалеко от норвежской столицы, на берегу фьорда, где художник приобрел летний домик. «Белая ночь» – яркий пример фирменного стиля автора, который формировался под влиянием творчества Ван Гога.
В центре сюжета – три девушки. Они стоят на мосту и вглядываются в воду, в которой отражаются дома, облака, деревья. Особенность полотна – сочетание ярких цветов и динамичных линий, которые как бы «бегут» вдоль холста, навстречу зрителю. В отличие от знаменитого «Крика» оно передает положительные эмоции, здесь нет места страху и отчаянию.
13. «Красные рыбки»
Автор: Анри Матисс.
Год создания: 1912.
На первый взгляд, «Красные рыбки» А. Матисса – незамысловатое произведение. В центре сюжета – уголок оранжереи, где установлен аквариум. Его обитатели, растения и их листья, а также круглый столик составляют основу композиции. Но оригинальный стиль художника превратил этот простой мотив в удивительное и завораживающее полотно.
В данной картине автор выразил эмоции при помощи цвета. Обратная перспектива в изображении стола напоминает о приемах средневековой живописи. Не менее интересны используемые углы зрения. На ножку и аквариум Матисс смотрит сбоку. При этом на стол – сверху. Примечательно, что художнику удалось гармонично соединить противоречащие друг другу красный и зеленый цвета. В итоге полотно получилось позитивным и притягивающим, в нем не чувствуется агрессия или напряжение.
14. «Шампанское и розы»
Автор: Михаил Ларионов.
Годы создания: конец 1920-х.
Ларионов — ученик И. Левитана и В. Серова. Образование и талант помогли ему стать выдающимся художником своего времени, создателем авангардного течения «лучизм». В годы написания картины «Шампанское и розы» Михаил Федорович увлекся оформлением спектаклей, тем не менее натюрморт получился запоминающимся и отличающимся невероятно тонким колористическим решением.
С помощью розового и серого оттенков, их нюансов и сочетаний художник показывает нам украшенный цветами стол, на котором стоят два бокала и открытые бутылки с игристым напитком. Слегка угадывается узор на скатерти, виден рисунок на обоях. И этого достаточно, чтобы полотно запало в память как образец натюрморта с нотами наивного искусства.
15. «Муза, вдохновляющая поэта»
Автор: Анри Руссо.
Год создания: 1909.
В галерее хранится дубликат картины, написать который Руссо подтолкнуло сложное материальное положение. Оригинал демонстрируется в Художественном музее Швейцарии. Художник считал себя академическим живописцем, тогда как современники называли его новатором и авангардистом.
«Муза, вдохновляющая поэта» подтверждает мнение коллег мастера. На полотне запечатлены друг Анри поэт Гийом Аполлинер и его жена Мари Лорансен, отдыхающие в Люксембургском саду. Но замысловатые деревья и диковинные плоды, окружающие пару, заставляют терять связь с реальностью. Картина имеет признаки наивной живописи – отсутствие светотени, выделенные контуры. Также ее можно отнести к парадным портретам. Присмотритесь: изображенные в полный рост герои держат в руках атрибуты, указывающие на их род деятельности.
16. «Старый еврей с мальчиком»
Автор: Пабло Пикассо.
Год создания: 1903.
Картина написана в годы так называемого «голубого периода» творчества Пикассо, когда его индивидуальность лишь начинала формироваться. При этом полотно раскрывает самую актуальную тему того времени – сосуществование индивидов, стремление быть вместе. В центре произведения – нищие и беззащитные персонажи. Слепой изможденный старик и болезненный худой мальчик вжались друг в друга, образуя одно целое.
Незрячий дед олицетворяет собой истинную духовность. Благодаря своему опыту он становится защитой для ребенка, его путеводителем в мир. Мальчишка, наоборот, смотрится слепым: его глаза не двигаются, на лице нет эмоций. Серо-синие фигуры выделяются на аналогичном фоне благодаря контуру. Используемые цвета, отсутствие перспективы, минимальная светотеневая моделировка создают напряжение, настроение безысходности, тоски и невозможности изменить этот мир.
17. «А, ты ревнуешь?»
Автор: Поль Гоген.
Год создания: 1892.
Убежав на Таити от европейской цивилизации, Гоген стремился писать полотна, которые свободны от условностей и рамок, отличаются примитивными формами, варварским сочетанием цветов, первобытными сюжетами, но при этом пронизаны наивностью и чистотой. Надо сказать, что ему это удалось.
На острове художник создал свои лучшие произведения. «А, ты ревнуешь» – картина, знакомящая нас с двумя туземками, отдыхающими после купания. Они обнажены, расслаблены и ведут неспешный диалог о любви. Тела женщин написаны объемно, что создает контраст с плоским фоном – водой и песком.
18. «Полифем»
Автор: Морис Дени.
Год создания: 1907.
М. Дени принадлежал к группе художников «Наби». Единомышленники считали, что действительность не стоит изображать реалистично, они отвергали светотень, перспективу и добавляли в свои работы элементы декоративности. Эти особенности присущи и картине «Полифем».
В работе соединены реальность и сказка. На переднем плане изображены отдыхающие люди. За ними разместился великан-циклоп, играющий для нимфы Галатеи романтическую мелодию. Согласно мифологии, лишь она могла растопить сердце Полифема.
19. «Мастерская художника»
Автор: Анри Матисс.
Год создания: 1911.
В своем творчестве Матисс был верен течению «фовизм». Но в данном произведении он вспоминает об импрессионизме: пейзаж за окном прорисован детально и состоит из тонких отдельных мазков. Интересен также другой связанный с картиной факт: стены в реальной мастерской живописца имели белый цвет, тогда как на полотне они приобрели ярко-розовый оттенок.
Центральные детали композиции – ковер на полу и висящая на ширме ткань. Этот мотив мастер использует регулярно. Матисс происходил из семьи ткачей, увлекался мусульманской культурой, с интересом посещал выставки текстиля, а потому любил изображать материи с удивительными узорами и причудливыми орнаментами.
20. «Оперный проезд в Париже»
Автор: Камиль Писсарро.
Год создания: 1898.
Конец 1890-х годов считается пиком творчества К. Писсарро. В это время он проживал в парижском отеле «Дю Лувр». Из окон номера открывался вид на Оперный проезд, который привлекал художника не столько поэтичностью и архитектурными достопримечательностями, сколько метаморфозами панорамы из-за изменения освещения и погодных условий в течение дня. В итоге за 2,5 месяца мастер создал две серии полотен, посвященных этому месту.
Но Писсарро и его картины ждала сложная судьба. Из-за войны живописец спешно покинул французскую столицу и не вывез работы. В его доме развернулся магазин, владельцы которого использовали произведения в качестве половиков. Сохранились считанные экземпляры, которые получили мировое признание. В их числе значится «Оперный проезд…», техника написания которого восхищает виртуозностью. Автор применил множество мелких мазков, которые создали эффект дуновения ветра и падения снега.
21. «Купание на Сене» или «Лягушатник»
Автор: Огюст Ренуар.
Год создания: 1869.
«Купание на Сене» входит в число первых пейзажей, написанных импрессионистами. Это самая ранняя работа О. Ренуара в собрании ГМИИ. Полотно переносит зрителя на остров Круасси, где любили отдыхать многие парижане. Они часто называли это место лягушатником.
В центре сюжета – купальщики, лодки и гуляющие горожане. Картина выполнена маленькими, как бы вибрирующими мазками разных оттенков, которые выделяют предметы и сливаются в единую цветовую гамму. Круасси О. Ренуар посещал в обществе К. Моне. На берегу художники создавали этюды, делали пленэрные открытия, которые впоследствии повлияли на технику молодых живописцев.
22. «Завтрак на траве»
Автор: Клод Моне.
Годы создания: 1865-1866.
«Завтрак на траве» – сравнительно раннее произведение Моне, что становится очевидным из-за обилия в палитре черного цвета. Планируя труд над картиной, художник намеревался создать масштабное полотно шириной свыше 6 метров. При этом он выбрал тему, которую несколькими годами ранее использовал в своем творчестве Мане и сумел произвести фурор.
Работа шла сложно, и накануне выставки мастер разрезал холст. Спустя время он написал уменьшенный вариант. Моне, в отличие от Мане, изобразил всех героев одетыми, сделал акцент на пейзаже, солнечном свете и человеческих фигурах, не уделив особого внимания лицам. Интересен вырезанный на дереве символ – сердце. По мнению экспертов, так художник признался в любви Камилле Донсье, роман с которой ему приходилось скрывать.
23. «В комнатах» или «Сцена в интерьере»
Автор: Поль Сезанн.
Годы создания: 1869-1871.
«В комнатах» – одно из первых произведений Сезанна. Картина показывает, что художник находится в поиске себя, но при этом увлечен искусством старых художников и следует принципам Г. Курбе.
На полотне запечатлены сестра и мама автора. Женщины кажутся неподвижными, как статуи. Цвета выбраны яркие и мрачные одновременно. Они создают напряженную обстановку, передают повышенную эмоциональность, которую, вероятно, в первые годы творчества Сезанну приходилось в себе усмирять.
24. «Нападение ягуара на лошадь»
Автор: Анри Руссо.
Год создания: 1910.
Руссо нравилась Мексика, он часто рассказывал о путешествии в эту страну своим знакомым. Правда заключается в том, что художник там никогда не был. Эти фантазии повлияли на творчество мастера: он написал «Нападение ягуара…». Картина полна противоречий и неправдоподобных деталей. Ветви неестественно переплетены, краски невероятно яркие, цветы и листья имеют нереальные размеры, а странно сложенные ноги лошади чем-то походят на женские.
Работа над произведением шла в Зоологическом и Ботаническом садах. Автор использовал открытки, атласы, марки, беседовал с теми, кто бывал в тропических лесах. Тем не менее, полотно показывает главное – безграничный полет мыслей мастера, его неуемную фантазию.
25. Портрет Амбруаза Воллара
Автор: Пабло Пикассо.
Годы создания: 1909-1910.
Амбруаз Воллар – коллекционер картин, торговец живописью и антиквариатом. Он первым заметил и по достоинству оценил работы Пикассо и даже устроил выставку его произведений в своей галерее. Написанный портрет признан истинным шедевром аналитического кубизма.
Несмотря на то, что полотно имеет множество планов и не позволяет сфокусировать взгляд на лице, сходство с моделью передано отлично. Видно все: тяжелые веки, широкий нос, большой вес, высокий лоб и сжатый рот Воллара. Каждый элемент картины как бы излучает внутренний свет, создает иллюзию движения. Кажется, что это осколки зеркала, в котором сохранилось отражение Амбруаза.
26. «Ужин после маскарада»
Автор: Тома Кутюр.
Год создания: около 1855.
Т. Кутюр – талантливый ученик П. Делароша и А.-Ж. Гро. Он не стал слепо следовать традициям академизма и выбрал свой авторский стиль. Позднее художник дал немало уроков Э. Мане. Прототипами для «Ужина после маскарада» стали знакомые мастера. Считается, что в образе Пьеро автор изобразил себя. На это намекают длинные вьющиеся волосы, густые брови, усы и острый подбородок – все эти детали есть на многих автопортретах.
Эксперты с легкостью узнают место, где развернулось действие. Перед зрителем – зал ресторана «Золотой дом» в Париже. Здесь часто бывал Кутюр. Кроме того, в годы создания картины балы-маскарады проводились регулярно. Получается, что запечатленная на картине сцена не является чем-то необычным, она показывает типовое времяпрепровождение людей, нравы и предпочтения того времени.
27. «Восстание»
Автор: Оноре Викторьен Домье.
Годы создания: 1848-1849.
О. Домье жил в сложные времена. Это побудило его запечатлеть исторические события в карикатурах, картинах, скульптурах. Работы мастера-демократа пронизаны личными творческими и политическими идеалами. Творец стал свидетелем двух французских революций, состоявшихся в 1830 и 1848 годах. Последней он посвятил полотно «Восстание».
Произведение показывает, каким был Париж в те годы. Город охвачен нервным напряжением, беспорядками. Яркое проявление эмоций достигнуто за счет резких контрастов светотени и динамики композиции в целом.
28. «Персики и груши»
Автор: Поль Сезанн.
Годы создания: 1890-1894.
В последние десятилетия жизни П. Сезанн увлекся экспериментами по созданию кадрированных композиций и постановке предметов. В итоге ему удалось написать принципиально новые натюрморты, которые можно сравнить с пейзажами. Известно, что автор долго расставлял предметы, поворачивал их, приподнимал.
Расположение фруктов и посуды в пространстве также уникально за счет использования обратной перспективы. Стороны стола видны в разных плоскостях, а кувшин – одновременно в панорамном образе, в анфас и сверху. Техника классическая – отдельные мелкие разнонаправленные мазки.
29. «Булонский лес»
Автор: Анри Матисс.
Год создания: 1902.
«Булонский лес» входит в серию полотен, созданных в одноименном заповедном уголке, где любили гулять многие жители Парижа. Картина написана под влиянием П. Сезанна. Это ощущается и в ее динамичности, и в выбранном мотиве (изгиб дороги).
Произведение относится к раннему периоду творчества А. Матисса, но в нем уже прослеживается авторский почерк, отхождение от традиций барбизонской школы. Несмотря на то, что в колорите преобладают темные цвета, художник добавил светлые краски. В нежных тонах изображены река, небо и солнце.
30. «Строители» или «Строители с алоэ»
Автор: Фернан Леже.
Годы создания: 1951.
«Строители» являются центральным произведением в серии работ, заказанных для украшения зданий. Данная тема была близка Леже. Он восхищался трудом маленьких людей, которые могли круглые сутки находиться под облаками, среди огромных металлических кранов и перекрытий. Живописца поражал этот контраст.
При написании картины автор максимально упростил художественные приемы, что сделало ее похожей на плакат. При этом выразительность не была потеряна благодаря динамичным вертикальным и горизонтальным линиям, композиционному построению. Работа показывает реалии советской эпохи, один из этапов индустриализации.
Галерея занимает три этажа, которые разделены на 26 залов. Одни из них посвящены отдельным художникам, другие – целым направлениям. Богатая коллекция заслуживает внимания и тронет сердце даже самого искушенного и требовательного ценителя искусства.